Veuillez tourner l’appereil.
Le digitorial est optimisé pour le format portrait.
Rembrandt à Amsterdam
Rembrandt à Amsterdam. Créativité et concurrence
Un nouveau nom – Une nouvelle trajectoire
« Souvenez-vous de mon nom! » En 1631, Rembrandt Harmensz van Rijn fait ses premières armes sur le marché de l’art amstellodamois.
Dans sa ville natale de Leyde où il impressionne les amateurs d’art par son brio et son inventivité, l’artiste de 25 ans s’est déjà taillé une réputation d’enfant prodige. Une fois à Amsterdam, Rembrandt a une brillante idée pour se démarquer sur le marché de l’art hautement concurrentiel: son prénom deviendra sa marque.
Rembrandt van Rijn, Autoportrait au chapeau à bord souple et au manteau brodé, 1631 Eau-forte avec touches de pointe sèche sur papier vergé, 14,8 × 13 cm, Fitzwilliam Museum, Cambridge Rembrandt van Rijn, Self- Autoportrait au chapeau à bord souple et au manteau brodé, 1631 Eau-forte sur papier vergé, 14,7 × 13,1 cm, Städel Museum, Francfort-sur-le-Main
Une concurrence à grande échelle
On a peine à le croire, mais au milieu du XVIIe siècle, les Pays-Bas comptaient un peintre pour 650 habitants. La demande pour les œuvres d’art était énorme.
Toujours à la recherche de nouveaux talents, le marchand d’art Hendrick van Uylenburgh invite Rembrandt à s’établir à Amsterdam où il l’engage pour peindre des portraits. Avec ses réseaux commerciaux internationaux, la ville prospère obéit aux lois d’un marché libre capitaliste. Les œuvres d’art sont des produits recherchés, et le vaste public qui achète ces pièces ne se limite pas à la riche classe marchande; à Amsterdam, même les artisans et les commerçants acquièrent des œuvres d’art.
« Oui, il arrive souvent qu’un cordonnier ou un forgeron accroche un tableau dans son échoppe ou sa forge. Ces […] inclinaisons pour la peinture font la joie des natifs de ce pays. »
Peter Mundy, 1640 Voyageur britannique
Les réseaux commerciaux de ce pays de navigateurs s’étendent à la grandeur de la planète. La présence ici de deux courtiers coiffés de turbans témoigne de la portée internationale des activités commerciales. Un rayon de soleil frappe les hommes, mettant en relief la nature mondiale des transactions qui s’y déroulent.
L’emblème d’Amsterdam figure bien en vue au-dessus de l’entrée de la Bourse. La ville était le centre économique de la jeune République des Provinces-Unies. Au XVIIe siècle, Amsterdam a le vent dans les voiles!
Au centre de la toile, on découvre un détail qui pourrait facilement passer inaperçu : deux chiens se querellent à l’entrée de la Bourse. Ils rappellent que l’économie spéculative est un monde où il faut montrer les crocs.
Un marchand d’art offre ses produits devant la Bourse. Paysages, natures mortes et scènes du quotidien – le choix est vaste, il y a de tout pour tous les goûts.
« Dans cette maison [la Bourse], le monde entier se réunit pour négocier. On y trouve (...) des marchands de Pologne, de Hongrie ainsi que des Italiens, des Français, des Espagnols, des Moscovites, des Perses et des Turcs, voire même des Indiens et des étrangers venus d’autres pays. »
Filip von Zesen, 1664 Poète allemand, Beschreibung der Stadt Amsterdam (Description d’Amsterdam)
Les portraits, un tremplin
Conscient des possibilités que lui offre la peinture de portait, Rembrandt se fait un nom sur le marché de l’art.
Marchands ambitieux et riches bourgeois – chacun veut se faire peindre par le nouveau venu. En peu de temps, Rembrandt devient l’un des portraitistes les plus courus de la ville. Ses portraits, empreints d’une vitalité et d’une personnalité inédites, assureront au jeune peintre et graveur une clientèle durable.
Nicolaes Eliasz Pickenoy, Portrait d’homme, 1628 Huile sur toile, 196 × 126 cm, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe Rembrandt van Rijn, Portrait d’un homme debout (Andries de Graeff), 1639 Huile sur toile, 199 × 123,5 cm, Museumslandschaft Hessen Kassel, Gemäldegalerie Alte Meister, Cassel, Photo: Ute Brunzel / Gemäldegalerie Alte Meister, Museumslandschaft Hessen Kassel / Art Resource, N. Y.
Profondément émouvants et toujours empreints de mystère, les tableaux de Rembrandt ne cessent jamais de nous surprendre. Ils montrent les gens sous leur vrai jour, avec toutes leurs particularités. Rembrandt dira lui-même que son art vise à rendre « le geste dans son expression la plus naturelle et la plus convaincante possible ».
Rembrandt n’entend toutefois pas se limiter au portrait. Présent sur tous les fronts, il affiche une époustouflante polyvalence artistique.
Un petit pays, un vaste monde
Un petit pays – Un vaste monde
Avec une production annuelle de 70 000 tableaux, le marché de l’art néerlandais atteint un niveau vertigineux. Mais comment les artistes de la République des Provinces-Unies parviennent-ils à livrer ainsi qualité et quantité?
À partir du milieu des années 1600, la République des Provinces-Unies est le plus riche pays d’Europe. Amsterdam, une métropole trépidante, abrite le plus grand port de marchandises sur le continent, d’où rayonnent les routes de commerce maritime dans le monde entier.
« Je regardais avec étonnement les quantités phénoménales de marchandises expédiées de l’étranger, la robustesse des navires innombrables [...]. »
Caspar Barlaeus, 1632 Historien néerlandais
La République des Provinces-Unies occupe un territoire relativement petit. Elle ne couvre guère plus qu’une bande côtière habitée par une population peu nombreuse et ne produit que quelques matières premières. Mais grâce au commerce extérieur mondial, la jeune nation acquerra une puissance et une richesse formidables.
Une ville en mutation
Quelle ascension fulgurante! Au temps de Rembrandt, la population, la production artistique et les découvertes scientifiques connaissent une véritable explosion à Amsterdam. La ville devient un creuset d’idées et d’influences venues des quatre coins du monde.
Dans la République des Provinces-Unies, les gens sont libres de publier ce qu’ils veulent. Dès 1600, on y abolit la censure – une étonnante exception à la règle dans une Europe absolutiste déchirée par les conflits.
Confiance en soi et franchise – voilà les qualités que souhaite projeter l’éditeur de livres et historien amstellodamois Isaac Commelin (1598−1676). Issu de l’immigration, il se taillera un nom dans l’industrie florissante de l’imprimerie et de l’édition.
Marcus Willemsz Doornik, frontispice Illustration tirée de: Tobias van Domselaer, Isaac Commelin, et al., Beschryvinge van Amsterdam [Description d’Amsterdam], Amsterdam, 1665, Rijksmuseum Research Library (Sign. 329 D 6) En 1665, Commelin publie l’ouvrage Beschryvinge van Amsterdam [Descriptions d’Amsterdam]. La femme assise qu’on aperçoit sur la page titre est l’Amstel-Maghd (Vierge d’Amsterdam), un symbole de la ville.
Filip von Zesen, Plan d’Amsterdam, 1664 Gravure au burin sur papier vergé, 24,1 × 46,2 cm, illustration tirée de: Filip von Zesen, Beschreibung der Stadt Amsterdam, Amsterdam, Noschen, 1664, Städel Museum, Francfort-sur-le-Main Un plan d’Amsterdam de 1664 est accroché au mur. Il montre comment le noyau urbain, avec son réseau de canaux distinctif, s’est rapidement étendu en à peine une génération.
Entre 1600 et 1662, la population d’Amsterdam passe de 40 000 à 210 000 habitants. Les guerres, la pauvreté ainsi que les persécutions religieuses et politiques poussent des dizaines de milliers d’Européens à venir s’établir dans la République des Provinces-Unies. Les immigrants espèrent s’y bâtir une vie à l’abri des contraintes des régimes absolutistes et des dogmes religieux, notamment à Amsterdam où règnent un marché du travail dynamique et une relative tolérance religieuse. Des étrangers venus d’autres parties du monde affluent aussi dans la ville.
Les voisins de Rembrandt proviennent de toutes les régions du globe. L’artiste vit sur la Breestraat (aujourd’hui Jodenbreestraat et Sint Antoniesbreestraat) dans le quartier juif traditionnel. Ses dessins et tableaux reflètent cet environnement cosmopolite.
Rembrandt van Rijn, Deux Africains, 1661 Huile sur toile, 77,8 × 64,4 cm, Mauritshuis, La Haye Rembrandt van Rijn, Étude d’un homme noir, v. 1650 Craie noire et encre, 9,6 × 8,4 cm, Amsterdam Museum, Amsterdam
Une présence sur toutes les mers du globe
Naviguer vers des contrées lointaines : du vivant de Rembrandt, la République des Provinces-Unies devient une puissance coloniale.
De grands navires jettent l’ancre dans le port d’Amsterdam, chargés de marchandises exotiques. Leurs drapeaux orange, blanc et bleu signalent leur appartenance à la Compagnie néerlandaise des Indes orientales (VOC en néerlandais). Fondée en 1602, cette puissante entreprise commerciale aurait été la première société de capitaux de l’histoire. Épices des Indes, thé et soie de la Chine, pierres précieuses du Siam (l’actuelle Thaïlande), le réseau commercial de la VOC s’étend d’Amsterdam jusqu’au Pacifique, à l’autre bout du monde.
Un âge d’or?
L’art de Rembrandt est, lui aussi, intrinsèquement lié à l’histoire coloniale européenne. Dans ses images, on découvre des objets de partout dans le monde.
Rembrandt a peint cette esquisse à l’huile sur un panneau de jequitibá, un bois tropical. Ce dernier provenait de la colonie de Nouvelle-Hollande dans le nord-est du Brésil, où on l’utilisait pour la construction de caisses destinées au transport du sucre. Les artistes se servaient des caisses mises au rebut comme support bon marché pour leurs tableaux.
Cette estampe est exécutée sur un fin papier asiatique, une matière précieuse acheminée en Europe par les routes du Pacifique. Des objets du quotidien, œuvres d’art et naturalia (spécimens naturels) venus de pays lointains étaient vendus en tant qu’objets de curiosité et quiconque entendait briller dans la société néerlandaise en possédait au moins une petite collection.
Le portrait par Rembrandt de son ami Abraham Francen montre l’apothicaire entouré de pièces de sa collection d’art. La figurine sur la table, probablement originaire de Chine, est une image cultuelle associée à la religion taoïste. Elle est placée juste à côté d’un petit triptyque sacré, qui faisait aussi partie du cabinet de curiosités de Francen.
L’atelier de Rembrandt, la marque Rembrandt
L’atelier de Rembrandt – La marque Rembrandt
Rembrandt connaît un tel succès à Amsterdam qu’il est bientôt en mesure d’ouvrir sa propre affaire. Il donne son nom à un grand atelier, qu’il dirige comme s’il s’agissait d’une entreprise commerciale.
Les marchands fortunés, dont beaucoup se sont enrichis grâce au commerce maritime mondial, s’arrachent les œuvres de Rembrandt. En 1634, ce dernier fait le geste décisif qui lui permettra d’accéder à son indépendance professionnelle : il se joint à la guilde amstellodamoise de Saint-Luc, l’association officielle des artistes.
Ce rare objet historique, un jeton de la guilde ayant appartenu à Rembrandt, est parvenu jusqu’à nous. L’adhésion de l’artiste à la guilde de Saint-Luc lui donne le droit de diriger son propre atelier et de former des apprentis. Grâce à ses activités d’enseignement auprès des jeunes artistes et à la vente aussi bien de leurs œuvres que des siennes, Rembrandt atteint un haut niveau de productivité. Il acquiert richesse et influence, non seulement en tant qu’artiste, mais aussi comme entrepreneur.
« L’atelier de Rembrandt regorgeait d’innombrables jeunes gens de bonne famille, qui venaient chercher auprès de lui un enseignement théorique et pratique. Chacun lui versait 100 florins par année. »
Joachim von Sandrart, 1675, vol. 2, livre 3 Artiste et historien de l’art allemand, Académie teutonique
Un atelier prospère
Un visage distinctif
L’atelier de Rembrandt est une entreprise florissante. Tandis que le maître étend stratégiquement son influence sur le marché de l’art, son visage devient une marque de fabrique reconnaissable.
Rembrandt van Rijn, Autoportrait appuyé sur un rebord de pierre, 1639 Eau-forte sur papier vergé, 20,6 × 16,3 cm, Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa / Städel Museum, Francfort-sur-le-Main Ferdinand Bol, Autoportrait, 1642; v. 1647 Eau-forte sur papier vergé, 13,7 × 11,2 cm, Städel Museum, Francfort-sur-le-Main; huile sur toile, 97,5 × 77,5 cm, Michele and Donald D’Amour Museum of Fine Arts, Springfield, The James Philip Gray Collection, Photography by David Stansbury
Le visage de Rembrandt n’apparaît pas seulement dans ses autoportraits; l’artiste prête aussi ses traits à des portraits de composition (où il incarne une figure mythologique ou historique) et même à des études de caractères appelées tronies (têtes), alors très prisées sur le marché de l’art.
Rembrandt van Rijn, Tronie d’un homme avec un béret à plumes, v. 1635–1640 Huile sur panneau, 62,5 × 47 cm, Mauritshuis, La Haye Wallerant Vaillant, Autoportrait au casque, v. 1655 Huile sur toile, 63,7 × 57,7 cm, Niedersächsisches Landesmuseum, Hanovre, © Landesmuseum Hannover – ARTOTHEK
Une signature, de nombreuses mains
La « marque Rembrandt » remplit une fonction stratégique. Elle propose un style pictural reconnaissable et des thèmes non conventionnels.
Rembrandt et ses élèves se spécialisent dans des scènes poignantes des récits de l’Ancien Testament. Prenons par exemple la répudiation d’Agar (Gn 21,9−14). Rembrandt s’inspire de la version de son maître Pieter Lastman pour créer sa propre interprétation dans une eau-forte. L’atelier de Rembrandt en produira de nombreuses variantes. Leurs tableaux sont reconnus pour leur chaleur, leurs tons terreux et leurs clairs-obscurs dramatiques.
Une mère et son jeune fils sont expulsés dans le désert: Ce thème dramatique est conçu d'une nouvelle manière et il devient rapidement très populaire sur le marché de l’art amstellodamois.
Les œuvres produites par Rembrandt et ses élèves donnent parfois l’impression d’être toutes de la même main. Aujourd’hui, la paternité de ces tableaux fait souvent l’objet de débats entre spécialistes. Telle œuvre a-t-elle été exécutée par Rembrandt ou par l’un de ses élèves? Or, les « Rembrandt » accrochés dans les musées du monde n’ont pas tous été créés par le maître lui-même. La marque Rembrandt ne se définissait pas par le travail d’un seul homme, mais par celui d’une entreprise tout entière dotée d’une « identité corporative ».
Le trait de Rembrandt, la main de Rembrandt
Le trait de Rembrandt – La main de Rembrandt
Rembrandt était un graveur de génie. Il déploiera toutes les habiletés graphiques dans ses dessins et estampes, notamment dans ses eaux-fortes.
Un autoportrait constitué d’un millier de lignes: Rembrandt se représente sous les traits d’un modeste graveur absorbé dans l’exécution d’une eau-forte. Rien n’évoque la célébrité de l’artiste et entrepreneur. Quelle image est-il en train de dessiner sur la plaque? La perspective adoptée, en contre-plongée, bloque notre champ de vision. Ici, la créativité du spectateur est sollicitée au même titre que celle de l’artiste, qui fait naître des images sorties de son imagination.
L’estampe, véritable passion de Rembrandt
L’art de la ligne était cher à Rembrandt. La qualité exceptionnelle de son travail de graveur ne peut toutefois faire oublier que la plupart des eaux-fortes et gravures étaient encore produites par l’« usine artistique » de la République des Provinces-Unies.
Certaines estampes tirées par un éditeur se vendaient le prix d’une saucisse et, comme les saucisses, étaient vendues sur les étalages des marchés, tandis que d’autres atteignaient des prix record dans les foires et les ventes aux enchères. Alors que beaucoup d’entre elles étaient produites en masse, Rembrandt imprimera des tirages limités de ses délicates eaux-fortes, que collectionneront de son vivant des connaisseurs passionnés.
« Sa gravure à l’eau-forte tient beaucoup de sa manière de peindre. Elle est expressive et spirituelle […]. »
Roger de Piles, 1715 Historien et théoricien de l’art français, Abrégé de la vie des peintres
La pièce aux cent florins, probablement l’eau-forte la plus célèbre de Rembrandt, est l’objet de nombreuses légendes. Elle aurait atteint la valeur marchande de cent florins, soit une somme cent fois supérieure au prix alors demandé pour une estampe de qualité moyenne. Une estampe rare de Rembrandt pouvait coûter aussi cher qu’un grand tableau.
La pièce aux cent florins de Rembrandt est l’une des images les plus abouties de l’histoire de l’art européen. À ce jour, l’œuvre conserve une part de mystère. Que savons-nous à son sujet?
Un homme incrédule et affligé enfouit son visage dans ses mains. Il s’agit du jeune homme riche de l’Évangile selon saint Matthieu (Mat 19,16−22), qui demande à Jésus ce qu’il doit faire pour aller au ciel. La réponse qu’il reçoit est difficile à accepter : il doit céder sa fortune aux pauvres.
Dans La pièce aux cent florins, Rembrandt a combiné plusieurs scènes du dix-neuvième chapitre de l’Évangile selon saint Matthieu. Les enfants, les pauvres et les malades – les « faibles » de la société – s’assemblent autour du Christ prédicateur.
Le Christ prédicateur apparaît ici comme un dieu guérisseur et un héraut de la vérité, et les gens sont attirés vers lui comme vers un aimant. La lumière semble émaner directement de Jésus. L’exécution de La pièce aux cent florins, avec ses subtils clairs-obscurs, aura très certainement posé d’immenses défis techniques à Rembrandt. Un dense réseau de hachures alterne avec des zones laissées entièrement vierges.
Le chameau illustrent la parabole qui conclut le récit du jeune homme (Mat 19,24): « […] il est plus facile à un chameau de passer par le trou d’une aiguille qu’à un riche d’entrer dans le royaume de Dieu ».
Paulus Pontius (d’après Pierre Paul Rubens), Buste de Socrate, 1638 Estampe, 31,1 × 21,3 cm, Rijksmuseum, Amsterdam, Photo: Rijksmuseum Dans La pièce aux cent florins, on découvre aussi des « têtes » qui rappellent le réformateur protestant Martin Luther et le théologien Érasme de Rotterdam. Le personnage de Paul, la figure la plus près du Christ, pourrait également être fondé sur des représentations du philosophe antique Socrate. Cette œuvre d’art impressionnante nous invite à réfléchir à la religion, à l’éthique et à la vérité.
Joachim von Sandrart, Buste d’Homère, v. 1629–1635 Sanguine et craie noire, avec rehauts de blanc sur papier vergé, 39,9 × 27 cm, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Kupferstich-Kabinett, Dresden, © Kupferstich-Kabinett, SKD, Inv.-Nr. C 1963-1973, Photo: Andreas Diesend Les hommes en discussion derrière le mur pourraient représenter les savants pharisiens. Rembrandt s’est inspiré de l’effigie d’Homère, le poète de l’Antiquité, pour le personnage à l’extrême gauche de la composition.
La fièvre du troc
De la planche au papier: On peut tirer plusieurs impressions d’une même eau-forte. Ce portrait montre le marchand et éditeur d’estampes amstellodamois Clement de Jonghe.
De Jonghe acquiert fièrement 74 des 300 planches de cuivre que Rembrandt produira au total. Comme éditeur, il tire probablement de nouvelles impressions de ces planches pour les vendre. Mais à titre de collectionneur passionné, il chérit vraisemblablement ces pièces qui proviennent directement de la main de Rembrandt.
Une diversité prodigieuse, des possibilités infinies
Une diversité prodigieuse – Des possibilités infinies
Homme aux multiples talents, Rembrandt était perçu de son vivant comme l’exemple parfait de l’« artiste universel ».
Rembrandt couvre toute la gamme des genres artistiques: il produit des portraits, des paysages et des compositions dramatiques sous forme de dessins, d’estampes et de tableaux. Mais son talent ne s’arrête pas là. Il sait aussi rendre certains aspects impalpables et fugaces de la réalité: la lumière, l’ambiance, les conditions atmosphériques et toutes les nuances de l’expression humaine. C’est précisément cette habileté qui lui vaudra la réputation d’« artiste universel » dans la République des Provinces-Unies du XVIIe siècle.
« Cette canaille de Rembrandt est un puissant idéaliste qui fait rêver et deviner au-delà. »
Charles Baudelaire, 1864 Poète et critique d’art français
Rembrandt van Rijn, Héroïne de l’Ancien Testament, 1632/1633 Huile sur toile, 109,2 × 94,4 cm, Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa, Photo: MBAC Rembrandt van Rijn, Judith au banquet d’Holopherne (anciennement Artémise), 1634 huile sur toile, 143 × 154,7 cm, Museo Nacional del Prado, Madrid, Photo: © Museo Nacional del Prado, Madrid
Des moments d’une grande intensité dramatique
Rembrandt était un conteur de talent. Il condensait en une seule scène des récits complets et créait des images à la fois novatrices et saisissantes.
Souvent, les tableaux de Rembrandt dérangent ou horrifient le spectateur. Toutefois, malgré leur puissance émotionnelle, ils sont aussi parfois empreints de tendresse et de mystère. Rembrandt cultive les nuances, l’ambiguïté et l’ironie cachée, notamment dans le traitement des expressions faciales chez l’humain.
David joue de la harpe pour le roi Saül, vieillissant, qui souffre de dépression – « assailli par un mauvais esprit », comme le dit la Bible. L’épisode de l’Ancien Testament (1 Sam 16,14−23) représenté ici par Rembrandt se résume à une seule scène, mais le petit tableau raconte toute l’histoire tumultueuse entre les deux hommes. L’expression faciale de Saül en dit long. Elle révèle, chez ce roi amer et triste, une telle émotion à l’écoute de la tendre harpe de David qu’il en oublie momentanément sa mélancolie. Mais elle traduit aussi son envie, sa méfiance et sa colère. Ces sentiments que Saül nourrira un jour à l’endroit de son jeune rival, le futur roi David, sont déjà annoncés par Rembrandt dans son traitement touchant du visage du roi.
« C’était le grand tableau de Rembrandt, L’Aveuglement de Samson qui m’a effrayé, torturé et fasciné. [...] c’était un témoignage tout à fait effrayant. »
Elias Canetti, 1978 Écrivain bulgaro-britannique, Histoire d’une vie : Le Flambeau dans l’oreille dans Écrits autobiographiques, trad. Michel-François Demet, Paris, Albin Michel (La Pochotèque)
Une vision d’horreur. Devant cette scène cruelle, on peut être tenté de détourner les yeux. Rembrandt dépeint l’histoire du héros biblique Samson et s’attarde plus particulièrement à mettre en image le brutal aveuglement. L’artiste éprouve ici les limites de ce que l’on peut représenter et regarder dans un tableau.
Une jeune femme qui fuit la scène se retourne pour regarder l’atrocité. Elle est l’amante de Samson, Dalila, à qui le héros a confié le secret de sa force. Mais, soudoyée par l’ennemi, les Philistins, elle a coupé les cheveux de Samson pendant son sommeil et lui a dérobé son pouvoir.
La puissance de Samson est légendaire. Selon le Livre des Juges de l’Ancien Testament, l’homme est capable de déchirer un lion en deux à mains nues (Jg 14,6). Son secret réside dans sa chevelure non coupée, source de sa force surhumaine.
Kris, fait à Java, XVe–XVIIe siècles Métal, 8,5 × 47 × 3,7 cm, The British Museum, Londres, © The Trustees of the British Museum Pour le poignard, Rembrandt s’est inspiré d’un objet indonésien. La lame courbée et le petit personnage sur la poignée nous indiquent qu’il s’agit d’un kriss, une arme originaire de l’île de Java.
Plusieurs Philistins ennemis maîtrisent Samson. Leur vengeance contre cet homme autrefois invincible est cruelle: ils lui crèvent les yeux. Rembrandt ne nous épargne aucun détail sanglant.
Aux confins de cette grotte, on discerne à peine quelques vagues silhouettes. Rembrandt suggère à quoi cela peut ressembler de perdre la vue.
Soldat apportant la tête d’un ennemi tué au Vizir, illustration tirée de: Livre des costumes de Rålamb, 1658 Swedish National Library, Stockholm Rembrandt représente ce Philistin dans un costume « à l’orientale » en velours rouge avec peau de léopard et pantalon bouffant. Il évoque ainsi le spectre de l’ennemi, tel que le conçoivent probablement ses contemporains. La moustache, notamment, rappelle peut-être aux spectateurs néerlandais les soldats de l’armée de l’Empire ottoman tant redoutés.
L’orientalisme de Rembrandt
Quand l’invisible devient visible
Rien n’est plus ennuyeux qu’un paysage? Pas chez Rembrandt, dont les représentations de la nature sont une véritable immersion dans les conditions météorologiques et atmosphériques. Chaque phénomène – vent, pluie et déplacement des nuages – devient visible.
Rembrandt van Rijn, Paysage avec un pont de pierre, v. 1638 Huile sur panneau, 29,5 × 42,5 cm, Rijksmuseum, Amsterdam, Acheté grâce à l’appui de la Vereniging Rembrandt et d’A. Bredius, Amsterdam, Photo: Rijksmuseum Jan Asselijn, Vue sur le Tibre avec le Ponte Molle au coucher du Soleil, v. 1650 Huile sur toile, 41,2 × 54 cm, National Gallery of Art, Washington, Florian Carr Fund, New Century Fund et Nell and Robert Weidenhammer Fund, Photo: Avec l’autorisation de la National Gallery of Art
« Rembrandt van Rijn: imagine ses propres règles de peinture […] il ne visita pas l’Italie, ni d’autres lieux, où l’on apprenait les antiques et la théorie de l’art. »
Joachim von Sandrart, 1675 Artiste et historien de l’art allemand, Académie teutonique, vol. I, livre 2
Des images non conventionnelles, de nouvelles manières de faire
Des images non conventionnelles – De nouvelles manières de faire
Rembrandt reste fidèle à sa vision. Il ne cède pas aux fluctuations du goût en matière d’art.
À l’image de la culture de consommation actuelle, le marché de l’art amstellodamois était en constante évolution. Ce qui est apprécié un jour ne l’est déjà plus le lendemain. Au milieu du XVIIe siècle, les goûts changent rapidement. Une tendance venue de France commence à s’imposer aux Pays-Bas: l’art inspiré des canons de l’Antiquité classique gagne en popularité. Avec sa palette plus claire et ses formes nettes, l’art classique est très éloigné de la manière de Rembrandt.
Rembrandt van Rijn, Diane au bain, avec Actéon et Callisto, 1634 Huile sur toile, 73,5 × 93,5 cm, Bildersammlung der Fürsten zu Salm, Wasserburg Anholt, Isselburg Copyright: Wasserburg Anholt Jacob van Loo, Diane et ses nymphes, 1654 huile sur toile, 99,5 × 135,5 cm, Statens Museum for Kunst, Copenhague
L’image corporelle
Diane et ses nymphes de Rembrandt se démarque non seulement par sa composition, mais aussi par son contenu. L’artiste a réuni deux récits de la mythologie antique dans la même image, ceux du chasseur Actéon et de la nymphe Callisto. Personne ne l’avait fait avant lui.
L’Actéon de Rembrandt est presque comique. Le personnage au corps grassouillet se tient démuni devant les femmes nues. Rembrandt souligne le fait qu’Actéon est ici la victime – innocent, il doit payer le prix de cette rencontre accidentelle.
Tandis qu’il parcourt allègrement les bois, le chasseur Actéon surprend par hasard Diane et son escorte virginale au bain. Rembrandt représente le moment où le jeune homme est puni pour son voyeurisme fortuit : des ramures poussent sur son front. Diane l’a transformé en cerf!
La nymphe Callisto, également innocente, est punie elle aussi. Violée par Jupiter, père des dieux, elle tombe enceinte. Quand la grossesse de Callisto devient apparente, Diane, qui exige de ses suivantes une chasteté absolue, la bannit de sa cohorte.
Le traitement par Rembrandt des chiens belliqueux évoque le dénouement tragique du récit: changé en cerf, Actéon, au désespoir, errera dans les bois jusqu’à ce que ses propres chiens le pourchassent et le dévorent.
On entrevoit dans la forêt les silhouettes de deux figures, guère plus que des ombres. Rembrandt confère à cette scène de bain en plein air, en apparence sereine, une qualité énigmatique.
Dans le tableau de Rembrandt, Callisto apparaît dans une scène provocante à forte charge sexuelle. Mises au courant de sa grossesse, les suivantes de Diane jettent violemment Callisto au sol où elle gît, le corps à moitié exposé. Ses compagnes se retournent contre elle – une nymphe debout derrière elle la montre du doigt en riant. Les femmes présentent des visages grimaçants.
Rembrandt était un artiste, un entrepreneur et une marque hors du commun. Sur le marché de l’art, il excellait dans tous les genres et son travail fascinait les acheteurs d’art d’Amsterdam. Mais après deux décennies couronnées de succès, il connaîtra des temps difficiles. L’évolution des goûts précipitera son déclin économique, puis sa ruine.
Pourtant, jamais son art ne tombera dans l’oubli. Originalité, innovation et mystère, le génie de Rembrandt continue aujourd’hui de nous subjuguer.
Indice
Le grand secret
Un homme est assis sur un tonneau, les jambes écartées. C’est un critique d’art. Il agite avec arrogance sa pipe vers des portraits soumis à son analyse tandis que des observateurs sont suspendus à ses lèvres. Mais Rembrandt l’a affublé d’oreilles d’âne. Ce dessin satirique incisif de Rembrandt mérite un examen attentif.
Dans le coin inférieur droit du dessin, un artiste se soulage au moment où le critique rend son verdict. Rembrandt exprime clairement ce qu’il pense des critiques du temps!
