Rembrandt – die Kunst des Niederländers begeistert und berührt bis heute. Doch wie kam der Müllerssohn aus Leiden zu seinem internationalen Erfolg? Im frühen 17. Jahrhundert macht sich der junge Maler und Grafiker einen Namen. Die aufregende Weltmetropole Amsterdam ist Rembrandts Bühne: Hier wetteifern zahlreiche Talente auf einem Kunstmarkt, der in der Geschichte seinesgleichen sucht.
„Merkt Euch meinen Namen!“ Im Jahr 1631 wagt Rembrandt van Rijn seine ersten Schritte auf dem Amsterdamer Kunstmarkt.
In seiner Heimatstadt Leiden ist dem 25-jährigen Künstler bereits der Ruf eines Wunderkindes vorausgeeilt. Sein Erfindungsreichtum beeindruckt. Doch um sich gegen die enorme Konkurrenz in Amsterdam durchzusetzen, verfolgt er eine raffinierte Idee: Sein Vorname allein soll sein Markenzeichen werden.
Kaum zu glauben: Mitte des 17. Jahrhunderts kommt in den Niederlanden ein Maler auf nur 650 Einwohnerinnen und Einwohner! Die Nachfrage nach Kunstwerken ist riesig.
Auf der Suche nach neuen Talenten hat der Kunsthändler Hendrick van Uylenburgh Rembrandt nach Amsterdam gelotst und vermittelt ihm Arbeit als Porträtmaler. In der weltweit vernetzten Handelsmetropole gelten die Gesetze eines freien, kapitalistischen Marktes. Kunstgüter sind gefragt: Nicht nur wohlhabende Kaufleute, sondern beispielsweise auch Handwerker und Seeleute bilden eine breite Käuferschicht.
„Häufig haben selbst Schmiede oder Schuster das ein oder andere Gemälde in ihrer Werkstatt oder ihrem Laden. So groß ist die (…) Freude an Bildern bei den Gebürtigen des Landes.“
Peter Mundy, 1640 Englischer Reisender
Die Handelsnetze der Seefahrerrepublik umspannen den Globus. Die beiden turbantragenden Börsianer stehen für den weltweiten Handel der damaligen Zeit. Das einfallende Sonnenlicht betont ihre Präsenz im Gemälde.
Über dem Eingang der Börse prangt das stolze Wappen der Stadt, des Zentrums der jungen Republik der Vereinigten Niederlande. Amsterdam boomt!
Leicht zu übersehen und doch zentral im Bild: Zwei Hunde knurren sich vor dem Eingang der Börse an. Sie führen die Aggressivität der Spekulationswirtschaft vor Augen.
Vor der Börse bietet ein Kunsthändler seine Gemälde an. Landschaften, Stillleben und Alltagsszenen – die Auswahl für die zahlende Kundschaft ist groß.
„Auf diesem Kaufhause [der Börse] verhandelt man fast die gantze Welt. Alhier finden sich (...) Pohlen, Ungern, Wälsche, Franzosen, Spanier, Moskoviter, Persier, Türken, ja zuweilen auch Indier und andere fremde Völker.“
Filip von Zesen, 1664 Deutscher Dichter, Beschreibung der Stadt Amsterdam
Rembrandt macht sich auf dem Kunstmarkt einen Namen: In der Porträtmalerei erkennt er seine Chance.
Aufstrebende Kaufleute und wohlhabende Bürgerinnen und Bürger – alle wollen sich von dem Neuankömmling Rembrandt verewigen lassen. In kürzester Zeit wird er zum gefragtesten Porträtmaler der Stadt. Seine Bildnisse weichen von allem zuvor Dagewesenen ab – und sichern dem jungen Grafiker und Maler einen bleibenden Kundenkreis.
Berührend, tiefgründig und immer ein wenig rätselhaft: Rembrandts Bildnisse verblüffen bis heute. Sie zeigen wahrhaftige Menschen in all ihren Eigenheiten. Rembrandt selbst hat über seine Kunst gesagt, die „größte und natürlichste Beweglichkeit“ sei sein Ziel.
Allein mit Porträtmalerei will sich Rembrandt nicht begnügen. Er zieht alle Register: Die Vielfalt seiner Kunst ist atemberaubend.
70.000 Gemälde pro Jahr! Die Kunstproduktion der Vereinigten Niederlande ist riesig. Was ist das für ein Ort, der nicht nur Masse, sondern auch Klasse hervorbringt?
Um die Jahrhundertmitte sind die Vereinigten Niederlande die reichste Region Europas. In der Metropole Amsterdam befindet sich der größte Stapelhafen des Kontinents. Von hier aus führen Seehandelsrouten rund um den Globus.
„Ich kann voller Erstaunen die gewaltige Menge von Waren betrachten, die aus dem Ausland herbeigeschafft werden, die Vielfalt und Robustheit der Schiffe (…).“
Caspar Barlaeus, 1632 Niederländischer Historiker
Die niederländische Republik ist alles andere als groß: Nicht viel mehr als ein Küstenstreifen, eine kleine Einwohnerzahl und wenig Rohstoffe. Doch durch den weltweiten Überseehandel gelangt der junge Staat zu Wohlstand und Macht.
Ein kometenhafter Aufstieg! Zu Rembrandts Zeiten erlebt Amsterdam eine wahre Explosion der Bevölkerung, Kunst und Wissenschaft. Einflüsse aus aller Welt prägen die Stadt.
In den Vereinigten Niederlanden lässt sich veröffentlichen, was man möchte. Schon zu Beginn des 17. Jahrhunderts gibt es keine Zensur mehr – eine Ausnahme im kriegszerrütteten Europa.
Selbstbewusste Haltung und direkter Blick: So präsentiert sich der Amsterdamer Buchverleger und Geschichtsschreiber Isaac Commelin (1598 –1676). Als Sohn von Einwanderern ist er im blühenden Druck- und Verlagswesen erfolgreich.
„Beschreibungen von Amsterdam“ heißt dieses Buch, das Commelin 1665 verlegt hat. Die sitzende Frau auf dem Titelblatt ist die sogenannte „Amstel-Maghd“, die Symbolfigur der Stadt.
Ein Stadtplan von 1664 hängt an der Wand. Er veranschaulicht die rasante bauliche Erweiterung der Metropole.
Bevölkerungsexplosion! Zwischen 1600 und 1662 wächst die Zahl der Amsterdamer Einwohnerinnen und Einwohner von 40.000 auf 210.000. Kriege, Armut sowie religiöse und politische Verfolgung treiben Zehntausende Europäerinnen und Europäer in die Vereinigten Niederlande. Gerade in Amsterdam mit einem starken Arbeitsmarkt und relativer Religionstoleranz erhoffen sie sich ein freieres Leben. Auch Menschen aus anderen Erdteilen erreichen die Stadt.
In Amsterdam hat Rembrandt Nachbarinnen und Nachbarn mit Lebensgeschichten aus aller Welt. Er wohnt im traditionell jüdischen Viertel, auf der Breestraat (heute Jodenbreestraat bzw. Sint Anthonisbreestraat). Die Vielfalt der Nachbarschaft spiegelt sich in seinen Zeichnungen und Gemälden wider.
Weit in die Ferne: Zu Rembrandts Lebzeiten wird die niederländische Republik zur Kolonialmacht.
Große Überseeschiffe liegen im Amsterdamer Hafen. Ihre orange-weiß-blauen Flaggen verraten: Sie segeln für die Niederländische Ost-Indien-Kompanie (niederl. kurz VOC). 1602 wird das mächtige Handelsunternehmen gegründet und gilt als die erste Aktiengesellschaft der Geschichte. Gewürze aus Indien, Tee und Seide aus China, Edelsteine aus Siam, dem heutigen Thailand: Das Handelsnetz der Kompanie zieht sich von Amsterdam bis in den Pazifik.
Von der europäischen Kolonialgeschichte ist auch Rembrandts Kunst nicht zu trennen: In seinen Werken lassen sich Dinge aus aller Welt entdecken.
Diese Ölskizze malt Rembrandt auf tropischem Jequitiba-Holz. Es wurde in der Kolonie Neu-Holland im Nordosten Brasiliens geschlagen und zur Herstellung von Zuckerkisten verwendet. Künstler benutzten die ausgedienten Kisten als günstiges Material für ihre Bilder.
Diese Grafik ist auf feinem Japan-Papier gedruckt. Das edle Material gelangte über die Pazifikrouten nach Europa. Gebrauchs-, Kunst- und Naturgegenstände aus der Ferne stoßen in den Vereinigten Niederlanden auf Bewunderung – jeder, der etwas auf sich hält, besitzt eine kleine Sammlung.
Rembrandts Porträt seines Freundes, des Apothekers Abraham Francen, zeigt diesen inmitten seiner Kunstsammlung. Die Figur auf dem Tisch stammt aus China und ist ein Kultbild der Religionslehre des Daoismus. Sie hat gleich neben einem kleinen katholischen Hausaltar ihren Platz. Beide gehören zu Francens Kuriositätenkabinett.
Erfolgreich in der Weltmetropole Amsterdam! Rembrandt macht sich selbstständig. Sein Name steht für eine große Werkstatt, die er wie ein Unternehmen führt.
Rembrandts Kunst ist bei Kaufleuten und Seehändlern sehr gefragt. Im Jahr 1634 gelingt ihm der entscheidende Schritt in die berufliche Unabhängigkeit: Er tritt in die Amsterdamer Lukasgilde ein, den Berufsverband der Künstler.
Ein seltenes historisches Zeugnis: Rembrandts Lukasgilden-Medaille hat sich bis heute erhalten. Seine Mitgliedschaft in der Gilde gibt ihm das Recht, eine eigene Werkstatt zu führen und als Meister Lehrlinge zu unterrichten. Mit seinen Schülern ist er hochproduktiv. Rembrandt wird zum einflussreichen und wohlhabenden Unternehmer!
„Und seine Behausung in Amsterdam [ist] mit fast unzahlbaren fürnehmen Kindern zur Instruction und Lehre erfüllet, deren jeder ihm jährlich an die 100 Gulden bezahlt.“
Joachim von Sandrart, 1675 Deutscher Künstler und Kunsthistoriker, über Rembrandts Werkstatt, Teutsche Akademie, II, Buch 3
Die eigene Werkstatt – ein erfolgreiches Unternehmen: Strategisch baut Rembrandt seinen Einfluss auf dem Kunstmarkt aus. Sein eigenes Gesicht wird zu einem Wiedererkennungszeichen der Marke.
Rembrandts Gesicht erscheint nicht nur in seinen Selbstbildnissen. Die eigenen Züge nutzt er auch für Rollenporträts und Charakterköpfe. Solche so genannten „tronies“ (niederl. für Kopf, Gesicht) erfreuten sich auf dem Kunstmarkt größter Beliebtheit.
Das „Unternehmen Rembrandt“ stellt sich strategisch auf: Die Marke bringt eine wiedererkennbare Malweise und ausgefallene Bildthemen auf den Markt.
Mitreißende Szenen aus den Geschichten des Alten Testaments – darauf spezialisieren sich Rembrandt und seine Schüler. Ein Beispiel ist das Thema der „Verstoßung der Hagar“ (Gen 21, 9–14). Rembrandt zeichnet die Bildidee erstmals nach einem Gemälde seines Lehrers, Pieter Lastmann, und variiert sie in einer Radierung. In Rembrandts Werkstatt entstehen zahlreiche Fassungen. Ihre warmen erdigen Farben und die schimmernde Lichtgestaltung zeichnet sie aus.
Eine Mutter wird mit ihrem kleinen Sohn in die Wüste verbannt. Die dramatische Szene der „Verstoßung der Hagar“ ist neuartig und auf dem Amsterdamer Kunstmarkt schnell sehr beliebt.
Die Arbeiten Rembrandts und seiner Schüler wirken teilweise wie aus einem Guss. Wer der Maler dieses Gemäldes ist – darüber streiten sich heute die Kunstexpertinnen und -experten. Hat Rembrandt das Werk geschaffen oder einer seiner Schüler? Nicht jedes Bild, das heute als ein „Rembrandt“ in den Museen der Welt hängt, stammt von der Meisterhand. Hinter der Marke steht nicht ein einzelner Mann, sondern ein ganzes Unternehmen.
Rembrandt ist ein brillanter Grafiker! In Zeichnungen und Druckgrafiken, vor allem mit der Technik der Radierung, zeigt er sein ganzes Können.
Ein Selbstbildnis aus Tausenden Linien: Konzentriert und bescheiden stellt sich Rembrandt bei der Tätigkeit des Radierens dar. Von seinem Ruhm als Künstler und Unternehmer keine Spur! Zu gerne möchte man wissen, welches Bild hier gerade auf der Radierplatte entsteht. Doch die gewählte Perspektive, eine Unteransicht, versperrt den Blick. Unsere Vorstellungskraft ist genauso gefragt wie die des Künstlers, wenn er seine Bilder aus der Fantasie entspringen lässt.
Rembrandt liegt die Kunst der Linie am Herzen. Seine fantasievollen Radierungen zählen nicht zur Massenware der damaligen „Kunstfabrik Vereinigte Niederlande“.
Abzüge mancher Grafiken gibt es auf den Märkten von Amsterdam für den Preis einer Wurst. Andere erzielen bei Messen und Auktionen Höchstpreise. Viele Druckgrafiken gelten als Massenware, Rembrandts Bilder aber gibt es nur in kleinen Auflagen. Seine aufwendigen Radierungen sind schon damals bei Liebhabern heiß begehrt.
„Seine Radierungen haben viel mit seiner Malweise gemeinsam. Sie sind ausdrucksstark und voller Geist (…).“
Roger de Piles, 1715 Französischer Kunsttheoretiker, Abrégé de la vie des peintres
Legenden ranken sich um das Hundertguldenblatt, die wohl berühmteste Radierung Rembrandts: Ganze 100 Gulden soll sie auf dem Markt gekostet haben – das Hundertfache des durchschnittlichen Preises einer Druckgrafik. Die gefragtesten Radierungen Rembrandts kosten gut und gerne so viel wie ein großes Gemälde.
Rembrandt hat mit dem Hundertguldenblatt eines der anspruchsvollsten Bilder der europäischen Kunstgeschichte geschaffen. Bis heute gibt die Radierung Rätsel auf: Was genau soll das Gezeigte bedeuten?
Ungläubig und entsetzt – ein junger Mann schlägt seine Hand vors Gesicht: Es ist der reiche Jüngling aus dem Matthäusevangelium (Mt 19, 16–22), der Christus fragt, was er tun müsse, um ins Himmelreich zu gelangen. Die Antwort ist schwer zu verdauen: Sein ganzes Vermögen solle er an die Armen verschenken!
Kinder, Arme und Kranke – die „Schwachen“ der Gesellschaft versammeln sich um den predigenden Christus. Im Hundertguldenblatt hat Rembrandt mehrere Szenen aus dem 19. Kapitel des Matthäusevangeliums zusammengestellt.
Wie die Motten um das Licht… Christus tritt als Heiler und Wahrheitsbringer auf. Meisterhaft vermittelt Rembrandt den Eindruck, dass von Christus selbst ein Strahlen ausgeht. Technisch ist das Hundertguldenblatt mit seinen Übergängen vom Dunkeln ins Helle von höchster Schwierigkeit. Dichtgesetzte Linien wechseln sich mit frei belassenen Flächen ab.
Das Kamel erinnert an das „Gleichnis vom Nadelöhr“. „Leichter geht ein Kamel durch ein Nadelöhr, als dass ein Reicher in das Reich Gottes gelangt“ (Mt 19, 24) heißt es im Anschluss an die Geschichte vom vermögenden Jüngling.
Auch die überlieferten Gesichtszüge des antiken Philosophen Sokrates finden sich in der Figur des Paulus wieder, an Christi Seite. Außerdem lassen sich die „Köpfe“ von Martin Luther und Erasmus von Rotterdam im Hundertguldenblatt entdecken. Das beeindruckende Kunstwerk lädt zum Nachdenken über Religion, Ethik und Wahrheit ein.
Die Männer hinter der Mauer könnten die gelehrten Pharisäer darstellen. Rembrandt verleiht der Figur am äußersten linken Bildrand das Aussehen des antiken Dichters Homer.
Von der Platte aufs Papier: Eine Radierung lässt sich hundertfach mit Druckfarbe drucken. Dieses Porträt zeigt den Amsterdamer Kunsthändler und Verleger Clement de Jonghe.
Von den insgesamt 300 je geschaffenen Kupferplatten Rembrandts besaß De Jonghe ganze 74! Diese dienen dem Grafikhändler nicht nur dazu, die Bilder immer neu zu drucken: Seine Sammelleidenschaft gilt auch dem „Original des Meisters“– der bearbeiteten Platte direkt von Rembrandts Hand.
Ein Alleskönner! Rembrandt gilt zu seinen Zeiten als Universalkünstler.
Ob Porträts, Landschaften oder dramatische Erzählungen – ob Zeichnungen, Druckgrafiken oder Gemälde: Rembrandt bespielt die ganze künstlerische Bandbreite. Aber damit nicht genug! Auch was in der Wirklichkeit unsichtbar und flüchtig ist, kann er in seinen Bildern einfangen: Licht, Stimmung, Wind, Wetter und alle Nuancen des menschlichen Ausdrucks. Genau wegen dieser Fähigkeit gilt er bei seinen Zeitgenossen als Universalkünstler.
„Aber dieser Halunke von einem Rembrandt ist ein gewaltiger Idealist, der uns träumen macht und das Jenseits ahnen lässt.“
Charles Baudelaire, 1864 Französischer Dichter und Kunstkritiker
Rembrandt ist ein begnadeter Erzähler. In seinen Gemälden spitzt er ganze Geschichten auf eine einzige Szene zu: Innovative und mitreißende Bilder entstehen.
Rembrandts Gemälde können aufwühlen und erschrecken. Doch bei aller Wucht wirken sie immer auch zart und geheimnisvoll. Gerade in der Darstellung des menschlichen Gesichtsausdrucks geht es dem Universalkünstler um Zwischentöne, Mehrdeutigkeit und Ironie.
David spielt die Harfe vor Saul: Der König leidet an Depression, ist „von einem bösen Geist geplagt“, wie es in der Bibel heißt. Eine momenthafte, alttestamentliche Szene (1 Sam 16, 14–23) – und doch vermittelt Rembrandt durch das kleine Gemälde die gesamte wechselhafte Geschichte der beiden Männer. Denn Sauls Gesicht spricht Bände. Es lässt nicht nur den verbitterten, traurigen König erkennen, der sich von der Musik erweichen lässt. Auch Neid, Misstrauen und Wut spiegeln sich in seinem Gesicht. Diese Gefühle, die Saul gegen seinen jungen Konkurrenten, den zukünftigen König David, im Laufe der Geschichte hegen wird, nimmt Rembrandt in der eindrücklichen Darstellung der Mimik vorweg.
„Es war das große Rembrandtbild die Blendung des Simson, das mich erschreckt, gepeinigt und hingehalten hat. (…) An diesem Bild, vor dem ich oft stand, habe ich erlernt, was Hass ist.“
Elias Canetti, 1982 Bulgarisch-Britischer Schriftsteller, Die Fackel im Ohr. Lebensgeschichte 1921-1931
Ein Schauerbild: Angesichts der grausamen Szene möchte man am liebsten die Augen verschließen. Rembrandt erzählt die Geschichte des biblischen Helden Simson – und das ausgerechnet anhand der brutalen Szene der Blendung! Rembrandt geht hier an die Grenzen des Darstellbaren.
Eine junge Frau läuft hinaus, aber blickt zurück auf die Gräueltat: Es ist Delila, der Simson das Geheimnis seiner Kraft anvertraut hat. Doch sie ist von den feindlichen Philistern bestochen worden. Im Schlaf hat sie Simson die Haare abgeschnitten und ihn seiner Stärke beraubt.
Simsons Kraft ist legendär. Im Buch der Richter des Alten Testaments heißt es, er könne einen Löwen mit bloßen Händen zerreißen (Ri 14, 6). Was niemand weiß: Quelle seiner übermenschlichen Stärke sind seine Haare.
Für den Dolch hat Rembrandt einen Gegenstand aus Indonesien zum Vorbild genommen. Die geschwungene Klinge und die kleine Figur am Griff verraten: Es ist ein Kris, ein Dolch von der Insel Java.
Mehrere Männer der feindlichen Philister überwältigen Simson. Rembrandt spart nicht an blutigen Details: Ihre Rache gegen den einst Unbesiegbaren ist grausam. Sie stechen ihm die Augen aus.
Nur schemenhaft lassen sich an den dunklen Rändern des höhlenartigen Raums Formen erahnen. Rembrandt vermittelt eine Ahnung davon, was es heißt, das Augenlicht zu verlieren.
Mit Raubtierfell und rotem Samtstoff: Rembrandt stellt diesen Philister in orientalisiertem Gewand dar. So überlagert sich der biblische Feind mit einem weitverbreiteten Feindbild im Europa des 17. Jahrhunderts: Besonders der Schnauzbart erinnerte damals an Soldaten der Armee des Osmanischen Reiches.
Nichts langweiliger als ein Landschaftsbild? Weit gefehlt: Rembrandts Naturdarstellungen lassen Wetter und Atmosphäre spürbar werden. Atemberaubende Phänomene wie Wind, Regen und die Bewegung der Wolken stellt er greifbar dar.
Optische Effekte, die bis heute faszinieren: Rembrandt erzeugt sie mit der Radiernadel und dem Pinsel und ist dabei äußerst experimentierfreudig. In den Radierungen ordnet er Striche kontrastreich an; in den Gemälden malt er Flächen mit überraschend groben Pinselstrichen.
„Demnach bliebe er beständig bey seinem angenommenen Brauch und scheuete sich nicht wider unsere Kunst-Regeln (…) wider die Perspectiva und den Nutzen der antichen Statuen (…) zu streiten.“
Joachim von Sandrart, 1675 Teutsche Academie, II, Buch 3
Rembrandt bleibt sich treu. Dem Wandel des Kunstgeschmacks beugt er sich nicht.
Der Amsterdamer Kunstmarkt ist dynamisch: Was gestern noch galt, gilt heute nicht mehr. Mitte des 17. Jahrhunderts veränderte sich die Nachfrage. Ein Trend aus Frankreich setzt sich in den Niederlanden durch: Kunst, die dem Vorbild und den Regeln der klassischen Antike folgt, wird immer beliebter. Helle Farben und klare Strukturen – die neue, klassizistische Kunst unterscheidet sich sehr von Rembrandts Malweise. Doch während viele Gemälde der neuen Richtung heute gleichförmig und beinahe beliebig erscheinen, haben Rembrandts Werke nichts von ihrer Tiefe und individuellen Ausdruckskraft eingebüßt.
Nicht nur die Gestaltung von Rembrandts „Bad der Diana“ ist originell. Auch der Inhalt überrascht. Denn Rembrandt verbindet gleich zwei Erzählungen der antiken Mythologie in einem Bild: Sowohl die Geschichte des Jägers Aktaion als auch die der Nymphe Callisto stecken in dem Gemälde. Das hatte es noch nie gegeben!
Rembrandts Aktaion ist beinahe komisch: Plump und hilflos steht er vor den nackten Frauen. Rembrandt unterstreicht: Aktaion ist „der Gehörnte“– obwohl in diesem Fall unschuldig, muss er für das zufällige Erblicken büßen.
Der Jäger Aktaion streift sorglos durch den Wald und stößt zufällig auf Diana mit ihren Jungfrauen beim Baden. Rembrandt fängt den Moment ein, in dem der junge Mann für seine Schaulust von der Jagdgöttin bestraft wird: Ihm wächst bereits ein Geweih aus der Stirn – Diana verwandelt ihn in einen Hirsch!
Auch die junge Nymphe Callisto wird unschuldig bestraft! Der Göttervater Jupiter hat sie vergewaltigt und sie ist schwanger. Diana nimmt ihren Anhängerinnen das Versprechen der Keuschheit ab. Als Callistos Schwangerschaft entdeckt wird, verbannt die Jagdgöttin sie aus dem Gefolge.
Rembrandts Darstellung der kämpfenden Hunde deutet auf den grausamen Ausgang der Geschichte hin: In Gestalt des Hirsches läuft Aktaion verzweifelt durch den Wald – schließlich wird er von seinen eigenen Jagdhunden aufgespürt und zerfleischt.
Fast nur ein Schatten vor dem dunklen Wald, und doch erahnt man die Umrisse zweier Gestalten. Die Vorstellung eines friedlichen Badens in freier Natur verbindet Rembrandt mit unheimlichen und rätselhaften Untertönen.
In Rembrandts Gemälde erscheint Callisto in einer provokanten, sexuell aufgeladenen Szene: Die Anhängerinnen Dianas entdecken ihre Schwangerschaft. Gewaltsam wird sie mit entblößtem Unterleib zu Boden gedrückt. Ihre Gefährtinnen wenden sich gegen sie –Rembrandt zeigt ihre enthemmten Fratzen.
Rembrandt – ein außergewöhnlicher Künstler, ein Unternehmer, eine Marke. Auf dem Kunstmarkt bedient er alle Sparten und fasziniert das Publikum in der Weltmetropole Amsterdam. Nach Jahren großen Ruhms folgen schwierige Zeiten: Der Wandel des Kunstgeschmacks leitet Rembrandts wirtschaftlichen Abstieg ein.
Doch seine Kunst, seine Grafiken und Gemälde sind unvergessen! Eigenwillig, innovativ und geheimnisvoll: Rembrandts Magie zieht uns bis heute in den Bann.
Ein Mann sitzt breitbeinig auf einem Fass. Es ist ein Kunstkritiker: Mit seiner Pfeife zeigt er überheblich auf einige Porträts, die ihm zur Ansicht gebracht wurden. Eine Schar Zuschauer hängt an den Lippen des Kritikers, doch Rembrandt hat ihm Eselsohren aufgesetzt. Ein genauer Blick auf diese bissige Satire lohnt sich!
In der rechten, unteren Ecke der Zeichnung erkennt man die Figur eines Künstlers, der gerade sein Geschäft verrichtet. Rembrandt lässt keinen Zweifel daran, was er von den Kritikern seiner Zeit gehalten hat – im wahrsten Sinne des Wortes.
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„Häufig haben selbst Schmiede oder Schuster […]“, Peter Mundy, 1640, zitiert nach: The Travels of Peter Mundy, in Europe and Asia, 1608-1667: Volume IV: Travels in Europe, 1639-1647, ed. by Sir Richard Temple abd Lavinia Anstey, Cambridge 1907-1925, Übers. Städel Museum.
„Auf diesem Kaufhause [der Börse] verhandelt man fast die gantze Welt […]“, Filip von Zesen, 1664, zitiert nach: Filip von Zesen, Beschreibung der Stadt Amsterdam, 1664, S. 232f.
„Ich kann voller Erstaunen die gewaltige Menge von Waren […]“, Caspar Barlaeus, 1632, zitiert nach: Caspar Barlaeus, The Wise Merchant, hg. von Anna- Luna Post, übers. von Corinna Vermeulen, Amsterdam: Amsterdam University Press, 2019, Übers. Städel Museum.
„Und seine Behausung in Amsterdam [ist] mit fast unzahlbaren fürnehmen Kindern […], Joachim von Sandrart, 1675, über Rembrandts Werkstatt, zitiert nach: Joachim von Sandrart, Teutsche Akademie, Vol II, Buch 3, 1675, S. 326.
„Seine Radierungen haben viel mit seiner Malweise gemeinsam. Sie sind ausdrucksstark und voller Geist (…).“, Roger de Piles, 1715, zitiert nach: Roger de Piles, Abrégé de la vie des peintres, 1715, S. 421.
„Aber dieser Halunke von einem Rembrandt ist ein gewaltiger Idealist, der uns träumen macht und das Jenseits ahnen lässt.“, Charles Baudelaire, 1864, zitiert nach: Charles Baudelaire, Curiosités esthétiques, 1868, p. 87, Übers. Städel Museum.
„Es war das große Rembrandtbild die «Blendung des Simson», das mich erschreckt […]“, Elias Canetti, 1982, zitiert nach: DElias Canetti, Die Fackel im Ohr. Lebensgeschichte 1921-1931, Frankfurt 1982, S. 113f.
„Demnach bliebe er beständig bey seinem angenommenen Brauch […]“, Joachim von Sandrart, 1675, zitiert nach: Joachim von Sandrart, Teutsche Akademie, Vol II, Buch 3, 1675, S. 326
Rembrandt, Selbstbildnis mit Mantel und breitkrempigem Hut, 1631, Radierung, teils Kaltnadel, 14,8 x 13 cm, Fitzwilliam Museum, Cambridge
Rembrandt, Selbstbildnis mit Mantel und breitkrempigem Hut, 1631, Radierung, 14,7 x 13,1 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main
Pieter Codde, Kunstliebhaber im Atelier eines Malers, um 1630, Öl auf Holz, 38,3 x 49,3 cm, Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgart, erworben mit Lotto-Mitteln, 1976, © bpk / Staatsgalerie Stuttgart
Job Adriaensz. Berckheyde, Die Börse von Amsterdam, um 1675-1680, Öl auf Leinwand, 62,2 x 52,8 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, CC BY-SA 4.0 Städel Museum, Frankfurt am Main
Nicolaes Eliasz. Pickenoy, Bildnis eines stehenden Mannes, 1628, Öl auf Leinwand, 196 x 126 cm, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Karlsruhe
Rembrandt, Bildnis eines stehenden Mannes (Andries de Graeff), 1639, Öl auf Leinwand, 199 x 123,5 cm, Museumslandschaft Hessen Kassel, Gemäldegalerie Alte Meister, Kassel, Foto: Ute Brunzel
Rembrandt, Der trunkene Lot, um 1630–1633, schwarze und weiße Kreide, mit dem Pinsel übergangen, 25,3 x 18,9 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, CC BY-SA 4.0 Städel Museum, Frankfurt am Main
Rembrandt, Stillleben mit zwei toten Pfauen und einem Mädchen, um 1639, Öl auf Leinwand, 145 x 135,5 cm, Rijksmuseum, Amsterdam
François van den Hoeye, Panoramaansicht von Amsterdam, um 1620-1625, Radierung und Kupferstich auf drei Blättern, 24,3 x 122,4 cm, Rijksmuseum, Amsterdam
Gerbrand van den Eeckhout, Bildnis des Isaac Commelin, 1669, Öl auf Leinwand, 70,7 x 55,6 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, © Städel Museum, Frankfurt am Main, Foto: U. Edelmann
Marcus Willemsz. Doornik, Frontispiz, Illustration aus: Amsterdam: Tobias van Domselaer und Isaac Commelin, et al., 1665, Beschryvinge van Amsterdam: haar eerste oorspronk uyt den huyze der heeren van Aemstel en Aemstellant: met een verhaal van haar leven en dappere krijgsdaden …, Rijksmuseum Research Library (Sign. 329 D 6)
Filip von Zesen, Stadtplan von Amsterdam, 1664, Kupferstich, 24,1 x 46,2 cm, Illustration aus: Filip von Zesen, Beschreibung der Stadt Amsterdam, Amsterdam: Noschen, 1664, Städel Museum, Frankfurt am Main
Rembrandt, Zwei junge Afrikaner, 1661, Öl auf Leinwand, 77,8 x 64,4 cm, Mauritshuis, Den Haag
Rembrandt, Skizze eines Afrikanischen Mannes, ca. 1650, schwarze Kreide und Tusche, 9,6 x 8,4 cm, Amsterdam Museum, Amsterdam
Zeeman (Reinier Nooms), Amsterdamer Hafenansicht, ca. 1643-1664, Öl auf Leinwand, 61,9 x 77,2 cm, High Museum of Art, Atlanta, Georgia, Gift of the Walter and Frances Bunzl Foundation, 1991.300.
Rembrandt, Die Frau des Tobias mit der Ziege (Recto/ Verso), 1645, Öl auf Holz, 20,2 x 28 cm, Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie, Berlin, © Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie / Christoph Schmidt
Rembrandt, Bildnis des Apothekers Abraham Francen, um 1647-1667, Radierung, Kupferstich und Kaltnadel auf Japanpapier, 15,9 x 21 cm, The Rembrandt House Museum, Amsterdam, Copyright Museum Het Rembrandthuis © 2020
Nachstellung von Rembrandts Kunstkammer, Rembrandthuis, Amsterdam, Foto: ©KIRSTENVANSANTEN
Rembrandts Gildenmedaille (Recto/ Verso), 1634, Messing, 2,8 cm (Durchmesser), Museum Het Rembrandthuis, Amsterdam
Jan van der Straet, Color Olivi (Die Malerei mit Ölfarben), Blatt 14 der Folge "Nova Reperta", um 1591, Kupferstich, 23 x 29,7 cm, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Kupferstich-Kabinett, Dresden, © Kupferstich-Kabinett, SKD, Inv.-Nr. A 44995, Foto: Andreas Diesend
Rembrandt, Selbstbildnis, an einer Steinmauer lehnend, 1639, Radierung, 20,6 x 16,3 cm, National Gallery of Canada, Ottawa / Städel Museum, Frankfurt am Main, CC BY-SA 4.0 Städel Museum, Frankfurt am Main
Ferdinand Bol, Selbstbildnis, 1642, Radierung, 13,7 x 11,2 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main
Ferdinand Bol, Selbstbildnis, um 1647, Öl auf Leinwand, 97,5 × 77,5 cm, Michele and Donald D’Amour Museum of Fine Arts, Springfield, The James Philip Gray Collection, Photography by David Stansbury // Photography Credit: The James Phillip Gray Collection
Rembrandt, Tronie eines Mannes mit Federbarett, um 1635–1640, Öl auf Holz, 62,5 × 47 cm, Mauritshuis, Den Haag
Wallerant Vaillant, Selbstbildnis mit Helm, um 1655, Öl auf Leinwand, 63,7 x 57,7 cm, Niedersächsisches Landesmuseum, Hannover, © Landesmuseum Hannover – ARTOTHEK
Pieter Lastman, Die Vertreibung der Hagar, 1612, Öl auf Holz, 48,3 x 71,4cm, Hamburger Kunsthalle, Hamburg, © Hamburger Kunsthalle / bpk Foto: Elke Walford
Rembrandt, Die Verstoßung der Hagar, um 1637, schwarze Kreide, 19,2 x 15 cm, Albertina, Wien, Foto: © Albertina, Wien
Rembrandt, Die Verstoßung der Hagar, 1637, Radierung und Kaltnadel, 12,6 × 9,5 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main
Barent Fabritius, Die Verstoßung der Hagar, um 1650–1660, Öl auf Leinwand, 109,9 × 109,9 cm, Fine Arts Museums of San Francisco, San Francisco, Anonymous gift
Govert Flinck, Die Verstoßung der Hagar, um 1642, Öl auf Leinwand, 110,7 × 138,8 cm, Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie, Berlin, bpk / Gemäldegalerie, SMB / Jörg P. Anders
Rembrandt-Werkstatt, Carel Fabritius (zugeschrieben), Mädchen mit einem Besen, um 1646/48–1651, Öl auf Leinwand, 107,3 × 91,4 cm, National Gallery of Art, Washington, DC, Andrew W. Mellon Collection
Rembrandt, Selbstbildnis, radierend am Fenster, 1648, Radierung, Kupferstich und Kaltnadel, 15,6 × 12,9 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, CC BY-SA 4.0 Städel Museum, Frankfurt am Main
Rembrandt, Die Verkündung an die Hirten, 1634, Radierung, Kupferstich und Kaltnadel, 26,1 x 21,9 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, © Städel Museum, Frankfurt am Main, Foto: U. Edelmann
Rembrandt, Der predigende Christus ("Hundertguldenblatt"), um 1648, Radierung, Kupferstich und Kaltnadel auf Japanpapier, 27,7 × 38,9 cm, National Gallery of Canada, Ottawa / Städel Museum, Frankfurt am Main
Paulus Pontius (nach Peter Paul Rubens), Büste des Sokrates, 1638, Kupferstich, 31,1 cm x 21,3 cm, Rijksmuseum, Amsterdam
Joachim von Sandrart, Büste des blinden Homer (Homer Giustiniani), um 1629-35, Rötel, Spuren von schwarzem Stift, weiß gehöht, 39,9 x 27 cm, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Kupferstich- Kabinett, Dresden, © Kupferstich-Kabinett, SKD, Inv.-Nr. C 1963-1973, Foto: Andreas Diesend
Marcantonio Raimondi (nach Raffael), Die Pest in Phrygien ("Il Morbetto"), 1515/16, Kupferstich, 19,8 × 25,5 cm, Rijksmuseum, Amsterdam
Rembrandt, Kupferplatte für das radierte Bildnis des Grafikhändlers Clement de Jonghe, 1651, Kupfer, 21 × 16,5 cm, Amsterdam Museum, Amsterdam, Erworben mit Unterstützung der Vereniging Rembrandt / Foto: Amsterdam Museum
Rembrandt, Bildnis des Grafikhändlers Clement de Jonghe, 1651, Radierung, Kupferstich und Kaltnadel, erster Zustand, 20,7 × 16,1 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main / National Gallery of Canada, Ottawa
Rembrandt van Rijn, Heldin des Alten Testaments, 1632-33, Öl auf Leinwand, 109,2 x 94,4 cm, National Gallery of Canada, Ottawa, Foto: NGC
Rembrandt, Judith beim Bankett des Holofernes, 1634, Öl auf Leinwand, 143 × 154,7 cm, Museo Nacional del Prado, Madrid, © Museo Nacional del Prado, Madrid
Rembrandt, David spielt die Harfe vor Saul, um 1630/31, Öl auf Holz, 62 × 50,1 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, © Städel Museum, Frankfurt am Main, Foto: U. Edelmann
Rembrandt, Die Blendung Simsons, 1636, Öl auf Leinwand, 219,3 × 305 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, CC BY-SA 4.0 Städel Museum, Frankfurt am Main
Kris, made in Java, 15th - 17th Century, Metal, 8.5 x 47 x 3.7 cm, The British Museum, London, © The Trustees of the British Museum, CC BY-NC-SA 4.0
Soldier Carrying the Head of a Slain Enemy to the Vizir, illustration in The Ralamb Book of Costumes, 1658 Swedish National Library, Stockholm
Die Laokoon-Gruppe (40 v. -30 n. Chr.), fotografiert vor 1906, Lakoon und seine Söhne, Athanodoro, Agesandro und Polidoro di Rodi, 40–30, Mamor, 208 × 163 × 112 cm, Vatikanischen Museen, Vatikanstadt
Peter Paul Rubens, Der gefesselte Prometheus, um 1611–18, Öl auf Leinwand, 242.6 × 209.6 cm, Philadelphia Museum of Art, erworben durch W.P. Wilstach Fund, 1950, Foto: Philadelphia Museum of Art / Art Resource, NY
Rembrandt, Die drei Bäume, 1643, Radierung, Kupferstich und Kaltnadel, 21,3 × 28 cm, National Gallery of Canada, Ottawa, Foto: NGC / Städel Museum, Frankfurt am Main, CC BY-SA 4.0 Städel Museum, Frankfurt am Main
Rembrandt, Landschaft mit Steinbrücke, um 1638, Öl auf Holz, 29,5 × 42,5 cm, Rijksmuseum, Amsterdam, erworben mit Unterstützung der Vereniging Rembrandt und A. Bredius, Amsterdam
Jan Asselijn, Tiber mit Ponte Molle bei Sonnenuntergang, um 1650, Öl auf Leinwand, 41,2 × 54 cm, National Gallery of Art, Washington, DC, Florian Carr Fund, New Century Fund, and Nell and Robert Weidenhammer Fund, Foto: Courtesy National Gallery of Art
Rembrandt, Das Bad der Diana mit Aktaion und Callisto, 1634, Öl auf Leinwand, 73,5 × 93,5 cm, Bildersammlung der Fürsten zu Salm, Wasserburg Anholt, Isselburg Copyright: Wasserburg Anholt
Jacob van Loo, Diana und ihre Nymphen, 1654, Öl auf Leinwand, 99,5 × 135,5 cm, Statens Museum for Kunst, Kopenhagen
Venus de' Medici, 1. Jh. V. Chr., Marmor, 151 x 42 x 56 cm, Galleria degli Uffizi, Florenz
Rembrandt, Satire auf die Kunstkritik, 1644, Feder in Braun, mit Korrekturen in Weiß, 15,5 × 20,1 cm, The Metropolitan Museum of Art, New York, Robert Lehman Collection, 1975, © The Metropolitan Museum of Art
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